En entrevista exclusiva para Enlace Funk nos habló de su ciudad natal, de sus procesos creativos, de toda una vida dedicada a la música, de sentimientos y creación, y de apropiación cultural.
Gracias por su tiempo, maestro. Actualmente, estoy dando un curso (campamento de verano) a un grupo de chavales de entre 14 y 17 años. Hemos estudiado composición y escritura de letras. Tras escuchar su nuevo álbum, Bogotá, una estudiante confesó: “Profe, he intentado escuchar todo el álbum, pero de “Para Qué” no logro pasar; me resulta muy dolorosa”.
Es dolorosa e invita a entregarse a esa emoción; una emoción muy fuerte sobre todo cuando se vive por primera vez. Abordar emociones difíciles a la hora de crear o componer es un reto interesante que deja muchas lecciones. Uno tiende a no asumir las cosas dolorosas para que no produzcan más dolor, pero es mediante el enfrentamiento a esas emociones que se logra hacer una catarsis y ahí el arte cumple un papel fundamental, pues ayuda a encontrar soluciones creativas para digerirla y procesarla. Creo que la dificultad y el dolor sacan lo más profundo y sincero del artista; ahí es donde las emociones se ven con más intensidad y se logra una conexión más directa con lo que se es y se quiere decir… y una conexión muy directa con quien recibe la obra.
Tus letras son altamente poéticas. Para componer melodías y escribir letras, ¿existe una bolsa en la que vas metiendo frases, y vas construyendo versos y estribillos?
Tú lo has dicho: uno va recolectando una serie de herramientas y recursos que tienen que ver con la escritura melódica o lírica y que se empiezan a recoger desde muy temprano. Las primeras influencias son la música que oímos en casa, los libros de nuestros padres. Uno se apropia de lo que más le gusta, después esas emulaciones se convierten en un estilo y el oficio se va desarrollando. Además, las colaboraciones con artistas jóvenes me alimentan mucho porque me muestran otras maneras de enfrentar el oficio. Hay un periodo de absorción de influencias que va desde los 10 hasta los 20 años; uno ya se casa con esas influencias y a partir de entonces debe tratar de ampliar ese margen.
Otro chaval se me acercó y me dijo: “Yo no quiero leer. A mí me gusta es observar la naturaleza”. ¿A través de la observación de la naturaleza también nace el poeta-letrista?
Leer el entorno es leer la naturaleza que, curiosamente, es lo mismo que ha inspirado a quienes quisiéramos que estuvieran leyendo. La postura de este estudiante es válida en cuanto a que el mundo en sí mismo nos da mucha información. Lo que pasa es que hay que cotejar la información con las visiones de otros, en algún momento este chico va a tener la necesidad de compartir esa información que siente y recibe de su entorno. Una manera interesante de llevar a cabo este proceso tiene que ver con ir a estudiar, compararse con los demás. En las artes se crea un ambiente de competencia sana. Yo presento mi proyecto ante mis colegas y ahí me comparo y me mido ante ellos. Nos pone en perspectiva frente a los demás.
¿Y en qué momento el corazón se presenta y termina dictándole notas musicales al cerebro?
Creo que la mente lo hace de una manera natural; es muy difícil separar la melodía de lo lírico. Yo primero hago una secuencia armónica que me emociona, esta me conduce a una melodía y a una letra; y brotan la emoción de la música, la cadencia y los acordes dando forma a la letra. Desde que empiezas a crear ya la emoción está decidida. Si partes de la música hacia la letra te vas a encontrar con una coherencia natural incluso si lo vas a hacer al revés. Cuando separas la emoción del acto creativo o intentas sonar muy inteligente cometes un error. Para que sea efectiva, la música tiene que venir de dentro; es una conversación que tienes con tu propio ser. Y abres la puerta para que otra persona vibre en la misma frecuencia.
“Una Flor”, otro temazo de tu nuevo álbum incluye un guiño al clásico de clásicos “El Preso”. Además, haces un cover de “Cariñito”. A los y las jóvenes de hoy parece que les aterra ser criticados de practicar la “apropiación cultural”.
¡Y tienen razón! Es un sentimiento muy propio de esta generación. “Cariñito” es el único cover de mi álbum. Un día cualquiera, me senté en el bar donde tuvo lugar la fiesta de mi graduación de bachillerato, y me vinieron recuerdos de esa noche. Es una cumbia que cantaba Rodolfo Aicardi, y siento que me pertenece porque sonaba/suena todos los diciembres en Colombia. La cumbia es transversal en Latinoamérica, reina desde México hasta Argentina. Cualquier joven español puede utilizar un recurso cultural si ha sido parte de su herencia familiar o le recuerda su infancia. Y puede apropiárselo. Lo raro es que te quieras apropiar de algo que pertenece a otra cultura, a vivencias ajenas. Si hay algo que te vibra o te crea una expresión auténtica pues no creo que haya que tenerle miedo. Obviamente uno tiene que reconocer sus raíces y su origen para atreverse a beber de otras fuentes. Entiendo ese miedo a la “apropiación cultural”, me parece súper válido, pero para dar ese paso primero habría que haber hecho una introspección muy honesta.
¿La honestidad es clave? ¿La emocionalidad es un territorio?
¡Por supuesto! La técnica y el conocimiento son las herramientas que te van a permitir presentar esa emocionalidad e intuición ante el mundo como tuyas propias. Las bases tienen que ser: la emoción y la honestidad. Allí va a surgir la posibilidad de que otras personas vibren en tu misma frecuencia y respondan. Incluso… tu podrás responder ante las críticas porque sabes que has hecho un ejercicio honesto de una emoción que es tu territorio, como un mapa de tu vida. Está siendo honesto; si no es así, te va a dar durísimo la crítica porque no estás siendo sincero. Es obvio que una parte del proceso creativo es la mutación o la copia, pero si lo estás haciendo de manera artificial te van a destruir en un segundo… y tú mismo vas a ayudar a que eso pase.
La musa de tu nuevo álbum es una ciudad, Bogotá. Tu ciudad.
Buscando excusas para mi nuevo trabajo, me pasó una cosa interesante. La casa donde vivo actualmente es el lugar donde nací y crecí. Compré esa casa buscando una conexión con la infancia, con esas emociones iniciales, la posibilidad de revivir unos años muy luminosos. Pero me estrellé cuando vi que todo eso existía, menos la presencia de mis padres; la casa que me parecía gigante ya no lo era tanto. Eso me conmovió y me inspiró a escribir la primera canción del álbum que se llama “Bogotá”. Y entonces pensé: “Si esto me pasa en mi propia casa ¿qué pasará cuando cruce la puerta y salga la ciudad? Recorrí la ciudad cuaderno en mano y revisé mis propios escritos de hace años y fotografías y tal; y fueron aflorando una cantidad de historias y posiciones que están físicamente conectados con esos lugares. Y encontré esos núcleos emocionales físicamente atados a los lugares específicos de la urbe y de ahí nació la inspiración. Así surgió mi nuevo álbum. Y cuando fui a ver tenía mucho más material del que necesitaba, pero escogí lo que más me gustó; de ahí salió la selección de canciones que conforman el álbum. En julio presentaré una versión Deluxe que incluye 3 temas más.
¿Escucharemos algunas de esas canciones en Madrid y Barcelona?
Sí, claro.
¿Que pueden esperar los asistentes a tus conciertos en España?
Nuestra Vida en Canciones habla de esos temas que han sido banda sonora mía y de la gente que sigue mi música desde hace 30 años. Es un recorrido interesante, paso por diferentes de géneros de música colombiana y algo de lo más reciente. Vengo con una compañía de músicos muy interesante, expresivos y talentosos. La puesta en escena es muy visual y narrativa. No me parece suficiente interpretar un set list solamente; creo que es importante una narrativa que pasee por las historias detrás de las canciones.
Interesantísimo, maestro Cepeda. Nos vemos en Noches del Botánico y el Teatro del Liceu.
Mándales un saludo a los chicos del curso de verano. Un abrazo grande, mucho cariño y gracias.
Entrevista: MARCELO CHAPARRO
